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Te invitamos a un detallado repaso a los contenidos principales del número de febrero de la revista This Is Rock. A la venta en nuestra tienda oficial hasta el día 20 por sólo 4 euros.

Bon Scott “Sangre de Rock and Roll”

Una selección de temas de AC/DC que podría ser otra, dentro de una trayectoria tan rica. Éste es solo uno de los mapas posibles para seguir la vida de un artista de primera como Bon Scott, sabiendo que el rock es la aguja de una brújula que detiene el tiempo: lo que pasa cuando estamos donde queremos estar.

Up To My Neck In You

La letra de Scott, en esta canción del ‘Powerage’ de 1978, nos pone en un suspiro en situación, en la vida que tuvo el cantante: “He estado hasta el cuello en jaleos. En conflictos, en penalidades. He sido un cretino casi toda mi vida. Qué puedes esperar de un tipo así. Yo te lo digo ya”. Scott dijo entonces en la BBC que ‘Up To My Neck In You’ era su canción “más ardiente, sobre una mujer a la que sigo queriendo mucho”, y ésta es una composición que, lejos de cualquier rollo posesivo, tiene el poso del homenaje. “Viniste para tirar de mí. Ahora estoy hasta el cuello en ti”.

Scott entiende la vida en esta canción como un cruce de vías, y es una suerte cruzarse con gente que te ayuda, a veces justo cuando peor lo estás pasando, y entonces el callejón en el que te encuentras tiene una escapatoria: “Hasta el cuello en la estación. Esperando al tren que me lleve. Pensaba que ya era mi hora, y vaya si me había llegado la hora”. Sigue la letra: “Hasta el cuello en whisky, y en vino. Hasta el cuello con el deseo de que mi cuello no fuera el mío. Soy un perdedor, que no ha perdido eso. Cariño, fuiste demasiado buena, demasiado buena para ser verdad. Nadie habría podido hacer lo que tú. Ahora estoy hasta el cuello en ti: apareciste cuando me hacías falta”.

El gran Vince Lovegrove cantó a dúo con su amigo Bon Scott en los Valentines, su ‘To Know You Is To Love You’ (‘The Sound Of The Valentines’, RPM Records,2016) es amor adolescente que ha sabido envejecer. Los dos recién veinteañeros tenían la pretensión de triunfar en el mercado popero de las fans, en mitad del fervor beatle que había llegado a Australia con retraso. Al escribir sobre las penurias que pasó el grupo en 1967, tras mudarse de Perth a Melbourne, Lovegrove decía: “Bon fue el único de la banda que se mantuvo sereno en una situación que parecía desesperada. En aquellos días, cuando hacía falta más que nada, nos metió una buena dosis de optimismo”.
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Bad Company “Rock ‘n’ Roll Fantasy”

En 1979 las radios están listas para dar paso al punk, los sintetizadores y el heavy metal, pero aún le quedaba un cartucho a Bad Company para seguir ofreciendo fantasía roquera. No lo tenían sencillo, pero se lanzaron valientes a la empresa, y el resultado, ‘Desolation Angels’.

Grand Funk, Free, Bad Company, Foreigner… uno aprecia una cierta forma de sonar y una ética común: esa idea de ponerse a tocar y punto, pero siendo conscientes de lo que se hace, para que la gente digiera con más facilidad tus canciones y éstas al final se conviertan en éxitos. Bad Company se formaron como un supergrupo, una fusión de Mott The Hoople y Free, con el toque King Crimson de Boz Burrell, y gozaron de un éxito instantáneo, gracias en parte a su condición de segunda banda más importante de Peter Grant, y a la marca Swan Song Records, la emergente discográfica que se habían montado los Zeppelin.

Al final de la década, no obstante, el rock tradicional había perdido bastante de su aura, ¿y qué podía haber más tradicional que la sencilla receta de rock que suministraban Bad Co.? El punk había cauterizado con fuego rabioso la escena, y luego, en mitad de una buena recesión, llegó el post punk, con la industria ya casi en desbandada ante el negro horizonte, muerta la música disco y con la cocaína arrasando. Menos mal que ‘The Wall’ de Pink Floyd y ‘The Long Run’ de los Eagles alegraron un poco la fiesta.

La carrera de Bad Company compone un microcosmos de tendencias, desde un debut abrasivo en 1974 (hoy cinco veces platino), y luego por las postas de ‘Straight Shooter’ (1975, y tres veces platino) y ‘Run With The Pack’ (1976, y un solo platino), hasta ‘Burnin’ Sky’ (oro, 1977), un disco que la crítica recibió con tan poco entusiasmo como el público comprador.

No lo tenían sencillo Bad Company para tramar un renacimiento, pero se lanzaron valientes a la empresa, y el resultado, ‘Desolation Angels’ —a partir de un libro de Jack Kerouac—, publicado el 17 de marzo de 1979, proveyó al grupo de un efímero instante de dicha, antes de volver a desembarrancar con otro disco muy flojo.

Así que volvamos al comienzo: ¿Por qué deberíamos preocuparnos de Bad Company? El guitarrista Mick Ralphs es el primero en contestar: “Creo que tuvimos mucha suerte, porque cuando nos juntamos los cuatro, yo tenía listas unas canciones muy apropiadas para la voz de Paul, y además a él le gustaron mucho. Ésa fue la clave del comienzo de Bad Company, esa combinación entre mis canciones y su voz. ‘Movin’ On’, ‘Ready For Love’, ‘Can’t Get Enough’… ya las tenía antes del grupo y simplemente estaban a la espera de esa magia que las hiciera sonar de cine. Compartíamos el mismo gusto por lo sencillo y el rhythm and blues y el blues a secas, y eso por fortuna se transmitió a las canciones. Nuestras canciones siempre antepusieron la naturalidad a la técnica. Eso es lo que probablemente hizo que transmitieran: el sentimiento, la sencillez, la emoción”.
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Magnum Tony Clarkin Entrevista

Magnum ha construido su Edén sonoro particular, donde las canciones de Tony Clarkin son interpretadas con pasión por Bob Catley. Un paraíso en el que demuestran ser una las formaciones de su generación más solventes, que ahora tiene como nuevo miembro a todo un referente como Dennis Ward.

Año nuevo, disco nuevo, pero la historia con Magnum no cambia, Tony. Otro enorme disco. Ah, gracias, ¡eres muy amable! La verdad es que estaba algo más nervioso de lo normal, porque soy un tipo de costumbres a la hora de componer, y esta vez hemos variado un par de cosas. Normalmente utilizo las sesiones de grabación de un disco como el primer estadio de composición del siguiente. Aprovecho los momentos muertos para empezar a escribir cosas con Bob, y para cuando empezamos la gira ya tengo buena parte del material para el siguiente listo. Esta vez por alguna razón no fue así, y tuve que empezar de cero cuando terminamos la primera parte de la gira, y el material se ha ido componiendo a lo largo del último año y medio. Y hacerlo desde cero le ha dado un punto diferente, creo que por eso ha quedado algo más diverso, hay más variedad estilística dentro de lo que siempre es el sonido clásico de Magnum. Y también hay un miembro nuevo en la banda…

Cierto, y no uno cualquiera. Dennis Ward nada menos. Exacto, Dennis Ward. Y también ha supuesto una novedad trabajar con él en lo musical, porque es la primera vez que grabo un disco con alguien que no está presente en el estudio. Con Dennis ha sido diferente porque lo ha hecho todo desde su estudio, le enviamos unas guías vocales para que supiera más o menos lo que iba a cantar Bob (Catley, vocalista), pero lo ha hecho todo por su cuenta, de hecho acabamos de conocernos en persona en la sesión de fotos para la promoción. Y bueno, siempre es un riesgo hacer algo así, claro, incluso con un tipo con la carrera de Dennis, pero al mismo tiempo estaba convencido de que iba a salir bien porque conocía su trayectoria, es un músico increíble.

Además vamos a poder presenciarlo en unos meses. Sí, vamos a tocar cinco o seis temas del nuevo disco, y además queremos tocar cosas de otros discos que no hemos tocado nunca, o muy pocas veces, como de ‘Valley Of Tears’, que tiene unas voces enormes de Bob. La idea es un show hora y tres cuartos, así que habrá tiempo para meter muchas canciones. Y como te decía antes los conciertos en España han sido fantásticos en estos últimos años, así que no podemos esperar a reencontrarnos con la audiencia española en esas tres fechas.
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Mick Portnoy Entrevista

Mike Portnoy, junto con a Derek Sherinian, Jeff Scott Soto, Ron “Bumblefoot” Thal y Billy Sheehan ofrecen uno de los directos más excitantes del momento. En marzo los tendremos de gira – Bilbao, Barcelona y Madrid– presentando el nuevo LP de Sons Of Apollo.

Hace no mucho hablábamos con Jeff y me comentaba lo emocionado que estaba con el nuevo disco de Sons Of Apollo. ¿Creo que el sentimiento era compartido? Definitivamente éste es uno de esos discos que coges con ganas, que estás deseando ponerte a escribir, a grabar… lo ideal es que siempre sea así, pero no siempre pasa. Hay veces en que te da mucha pereza, sobre todo desde el punto de vista social, siempre es complicado juntarse con otra gente a crear algo cuando no estás en el modo mental correcto, o simplemente no te apetece. La realidad es que todo con Sons Of Apollo ha ido tremendamente rápido, y queríamos aprovechar la tensión positiva del momento y no retrasarlo más de lo estrictamente necesario para no perder la magia. Piensa que aunque el origen de la banda fuimos Derek (Sherinian, teclista) y yo y nos conocemos desde hace mucho, y Jeff y Billy (Sheehan, bajista) también se conocían, eso no te garantiza que la conexión vaya a ser necesariamente tan buena como lo ha sido. El único que no conocía a todo el mundo era Ron (Bumblefoot), algunos habíamos coincidido con él más o menos el algún momento, salvo Derek, que no le había visto nunca.

¿Qué planes tienes para esta gira con Sons Of Apollo? Pues vamos a cambiar un poco el planteamiento y ser algo más selectivos. Con el primer disco tocamos en prácticamente todos los lados porque era la manera de presentar a la banda, como te decía antes creo que la esencia de Apollo está también en los directos y darle a la gente la posibilidad de vernos era esencial para que pudiesen conocernos de verdad, por eso no dijimos que no a nada y tocamos en todos los sitios posibles. Ahora vamos a ir de otra manera, serán giras más cortas, algunos festivales, pero no todos como en la primera gira… Porque tampoco tenemos tanto tiempo, ese primer año despejamos nuestras agendas para dedicarlo casi exclusivamente a Sons Of Apollo y ahora no podemos permitirnos hacer algo así, pero también porque queremos hacer las cosas de manera diferente, preparar el escenario con pantallas y demás… hacer algo más trabajado. Seguirá habiendo suficientes conciertos como para que cualquiera pueda vernos, pero no tantos, a lo mejor algunos fans tendrán que desplazarse un poco.
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Long Play: Diamanda Galás

En la mitología anglosajona, la banshee es como un espíritu de los bosques que suelta un chillido demencial y desgarrador, para anunciar que tus días están contados. Lo de la californiana Diamanda Galás, cantante de varios orígenes y venenos, rebasó ese propósito desde un comienzo.

La suya era una voz salvaje que brotaba como si nuestro cuerpo fuera la peor prisión, con todas sus ataduras de los sexos, las culturas, las religiones o las nacionalidades. Una voz loca, fuera de su camisa de carne de fuerza, al encuentro de otros encarcelados: unos oyentes que sobre todo debían ser valientes, o estar un punto desesperados, para abrir un túnel dentro de ellos hasta responder con algo, aunque solo fuera la atención debida, a la cantante.

Realmente, los discos de Diamanda Galás no son tanto una llamada fúnebre sino una voz que se te mete en la cabeza, algo insidioso y calamitoso. Hasta que al final sientes que esos sonidos repetidos son los de tus puños contra las puertas del infierno, rogando por favor que te abran paso. Si hablamos de género musical, antes que rock, aunque a Galás se le vincule con la electricidad, habría que decir que lo suyo está más cerca de la glosolalia (con algún fondo industrial). Más que cantar, lo que hace Galás es inventarse un lenguaje, o tirar de lenguas muertas, para estremecernos con las posibilidades de la voz humana. Las pretensiones de Diamanda Galás, aunque feístas e iconoclastas, tienen también su trasfondo humanitario a pesar de todo: su intimidante torre de Babilonia, con la fuerza de sus ejecuciones vocales, no tiene viso alguno de derrumbarse, y esto hace que no se extinga la esperanza de comprender algo cuando escuchamos una música que inspira más miedo que un castigo divino.
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Wishbone Ash Entrevista Andy Powell

Andy Powell junto al guitarrista Ted Turner dieron vida al épico sonido de doble guitarra solista, el mismo que influenció a Iron Maiden, Judas Priest, Saxon… Girando y grabando desde 1969 se han convertido en un culto que ahora nos presenta su nueva obra ‘Coat Of Arms’.

Vaya manera de empezar la sexta década de la carrera de Wishbone Ash. Este disco es un salto adelante, escuchándolo me parece el compendio perfecto de todo lo que es la banda. Estoy muy de acuerdo en eso que dices, y creo que hay varios factores que se han alineado para que el resultado fuese ése. El primero es que el origen de este disco era un trabajo en solitario mío, el que iba a ser mi primer disco como Andy Powell. Después de ‘Blue Horizon’, la gira siguiente y todo lo demás me parecía buena idea parar un poco con Ash y escribir sin la presión del nombre, que siempre acaba condicionando un poco la manera en la que escribes. Cuando haces un disco en solitario estás liberado de todas esas cosas, no tienes en mente encajar en lo que la gente espera de una banda con una carrera tan larga como Ash. Y ése fue el plan, empezar a escribir canciones de manera muy libre, sin a tensión estilística que había en ‘Blue Horizon’. Lo que pasa es que me di cuenta habían pasado casi cinco años desde ese disco, estábamos alcanzando el cincuenta aniversario de la formación de la banda, y pensé que no podía permitirme hacer un disco en solitario y retrasar el de Ash otro año, en 2019 tenía que haber un nuevo disco. Al final nos retrasamos un poco y sale a principios de 2020, pero eso es asumible, lo que no tendría sentido es hacerlo esperar más.

“Se ha convertido en el truco fácil vestir y sonar como en los 70, nadie quiere buscar un sonido personal, es más fácil imitar” Andy Powell

‘Blue Horizon’ me parece un gran disco, pero que suena un poco forzado, no tiene la diversidad de ‘Coat Of Arms’. Creo que hay grandes canciones que con otro tratamiento hubiesen funcionado mejor. Y de nuevo tienes razón porque eso es exactamente lo que pasó, la tensión de tener que encajarlo en la visión de Ash que tenía sobre todo Muddy (Manninen, guitarrista), que empezaba a estar frustrado en la banda y eso se reflejaba en el disco. Siempre hemos sido un grupo de trabajar mucho los temas juntos, desde que empezamos ha sido el modo habitual de componer, los cuatro probando cosas. Para eso necesitas estar en la misma onda, musical y personal. Que haya comunicación, que no se queden cosas latentes que no se dicen, pero que acaban influyendo en la música. Con Muddy habíamos llegado al punto en que las cosas que no se decían acababan apareciendo en las canciones, por eso ‘Blue Horizon’ es más monocorde, y el tono general es más homogéneo, es lo que pasa cuando no todo el mundo va en la misma dirección, que acabas en un término medio que intenta dejar contento a todos. Hay grandes temas, me gusta mucho como quedó incluso en esas circunstancias, pero es cierto que al compararlo con ‘Coat Of Arms’ se puede apreciar qué es lo que estaba pasando en la banda, entonces y ahora.

Y otra de las cosas que pasan ahora es que tienes nuevo guitarrista, Mark (Abrahams), lo cual en el caso de Ash siempre es relevante. ¿Cómo ha ido la cosa? Pues ya lo escuchas en el disco, inmejorable (risas). Mark tiene un par de cosas muy buenas: la primera es que es joven, y eso siempre es una inyección de energía para una banda de viejos (risas). La segunda es que a pesar de ser joven es un tipo de la vieja escuela. Lleva escuchando a Ash desde que era un niño, su padre es muy fan nuestro, y desde que empezó a tocar siempre ha estado obsesionado con el tono, no con ser el más rápido, el que hace las cosas más complicadas y todas esas historias que hace la gente joven desde hace unos años. Nos conoce incluso mejor que nosotros mismos, hemos recuperado temas que hacía mucho que no tocábamos porque los pidió él. Ha sido como abrir una ventana hacia nuestro pasado, me ha permitido reconectar con aspectos de Ash que digamos que no los tenía tan presentes.
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Paul Roland Entrevista

Si la política nos ha dado gratis un término como “Brexit”, mejor utilizarlo, sobre todo si sirve para describir a un tipo sin moldes como Paul Roland. Humilde dandy de los mundos esotéricos, su música, de raíces muy british, nos hace volar para encontrar los mejores escapes.

Cuando en 1980, Roland debutó en largo con su disco ‘The Werewolf Of London’, bajo el nombre entonces de Midnight Rags, pareció de la estirpe de los perros verdes que aprovecharon el punk para camuflarse, como Soft Boys, TV Personalities o Cleaners From Venus, relevos de Syd Barrett y Kevin Ayers, psicodelia áspera sobre el alambre. A finales de los ochenta, cuando la figura de Roland parecía tragada por el tiempo, su historia de terror tomó un giro inesperado, al regresar entre nosotros para publicar una lista de álbumes clásicos, como ‘Danse Macabre’ (1987) o ‘Happy Families’ (1988), con los que se ganó un puesto en el santoral británico de las excentricidades, junto a gente con tanta aura como Twink o Kevin Coyne. En estos últimos años, aún en este mundo de mortales (aunque a veces no lo parezca), Roland no da abasto con su producción de discos y libros, siempre acerca de los temas más interesantes. Con él, parece claro que, cuando terminan las sesiones de espiritismo en la lluviosa Inglaterra, los caminos se llenan con algo más que con caracoles.

Una entrevista ésta muy a propósito, con el nuevo álbum, ‘1313 Mockingbird Lane’ en la calle. ¿Sientes que la obra terminada se ajusta a lo que fueron tus intenciones originales? ¡No había ningún plan maestro! Me limité a componer las canciones según me iban viniendo, y solo al final, con la grabación terminada, decidí prescindir de las más flojas y escribir cuatro nuevas. Así el conjunto es mucho más robusto y consistente. Lo cual me permite afirmar que éste es uno de mis discos más potentes sin duda. ¡Tal vez hasta el que más de todos!
En algún momento, pensé en hacer un disco doble, pues tenía canciones suficientes, pero luego me puse a escucharlo todo, y vi que algunas estaban bien, pero no tan bien, no lo suficientemente bien al menos. Las canciones que compuse después además tenían unas letras que buscaban unificar la temática del álbum. En ellas hablo de los sesenta (queda muy claro en ‘Summer Of Love’, ‘She’s My Guru’ y ‘Won’t Go Surfin’ No More’). En este punto de mi carrera, cada vez les encuentro más sentido a los álbumes con su “tema”, que son más que una colección de doce canciones que hablan de cosas variadas. Creo que esto se debe a que últimamente he estado escribiendo ficción, cuentos y una novela, así que mi perspectiva es bastante literaria en la actualidad.
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Piston entrevista Jack Edwards

Transmiten la energía necesaria a base de rock de alto voltaje a un motor que cubica a base de riffs enormes, melodías pegadizas, y canciones como puños de hierro como ‘Rainmaker’ o ‘One More Day’. Jack Edwards llega a This Is Rock como parte de una nueva ola armada de orgullo decibélico.

¿Cuál fue el catalizador que te inspiró para formar una banda? Piston es el resultado de cinco amigos que se juntan. ¡Hermanos en el rock and roll! Hemos crecido todos escuchando los mismos discos, tenemos las mismas influencias, e instintivamente nuestro objetivo fue crear música de este estilo.

¿Recuerdas la primera vez componiendo una canción? Recuerdo la primera canción cuando empecé. Era el riff de ‘Ace Of Spades’ tocado al revés (risas). Era muy tímido, y me costó una barbaridad descararme un poco para componer mis cosas.

Fuisteis elegidos por los oyentes de Planet Rock Radio para tocar en el festival Ramblin’ Man Fair. ¿Qué tal fue la experiencia? ¡Increíble! De largo mi festival de música favorito. Fue un concierto muy especial. Echamos el resto por la gente, y el público no dejó de cantar un segundo con nosotros. La verdad es que todo marchó tan bien que nos han vuelto a invitar.
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Holycide entrevista a Dave Rotten

El excesivo uso del concepto thrash ha llegado a colapsarlo, desvirtuando los parámetros sobre los que se generó y dejando solo en su superficie visible a los nombres ya consagrados. Sin embargo, el underground sigue nutriéndolo con el talento innato de auténticos luchadores como Dave Rotten, que continúa aportando desde todos los ámbitos con nuevas entregas de agresividad old school.

Desde que pusisteis en marcha Holycide, han pasado unos cuantos años, presentando ahora la continuación a vuestro debut de 2017 ‘Annihilate… Then Ask!’. ¿Ha sido un trabajo constante o intermitente en el tiempo? Si bien la idea de la banda se remonta al 2004, no fue hasta 2013 que conseguí ponerla en marcha, y a principios del 2014, ya como quinteto, pasó a ser una banda de pleno derecho, y de hecho, tenemos más actividad y regularidad en lo que a grabaciones se refiere, en comparación con mi otra banda Avulsed. En estos últimos cinco años, hemos grabado un mini cd y dos álbumes, además de tocar en show y festivales con más o menos regularidad. Habrá Holycide para rato, estamos en proceso de crecimiento, sin prisas, sin ansias… paso a paso y con buena letra, lo que tenga que llegar, llegará, y bienvenido será. Lo principal es que hacemos lo que nos gusta.
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Hackers entrevista Fran Alonso

Su elegante carta de presentación titulada ‘Empezar De Cero’ ha supuesto un revulsivo para la escena AOR de este país. Uno de sus más reconocidos miembros es el guitarrista Fran Alonso, con quien aprovechamos para tener una interesante charla.

Para empezar, cuéntame como nace Hackers. Imagino que tras la disolución de Krull necesitabas dar continuidad a tu pasión por el AOR… ¿Me equivoco? Pues no andas muy desencaminado… Cuando Krull se vuelve a reunir allá por el 2010, después de dieciséis años de inactividad y después de hacer el ‘Quart-o’, que en mi opinión pienso que hicimos un gran trabajo, sinceramente pensaba que todo iba a ser diferente ya que había mucha expectación con el regreso de una de las bandas más emblemáticas de Canarias. Pero nada más lejos de la realidad, ese regreso pasó casi desapercibido. También es cierto que mi idea de ese cuarto disco de Krull era otra, a mí me hubiera gustado retomar los sonidos más AOR que tanto demandaban los fans acérrimos de Krull, pero los gustos de los líderes llevaron el sonido del grupo hacia unos derroteros más hard rockeros. Tras la disolución de Krull pasé unos años en una banda de versiones hasta que ese fuego interno me dijo ‘basta ya’, y ahí nació la idea de formar una banda en la que yo pudiera dar rienda suelta a todas las ideas que rondaban en mi cabeza. Se lo propuse al batería Paco Santana, le gustó y a partir de ahí solo tuvimos que buscar a los músicos que se quisieran embarcar en Hackers.

De entre los nuevos componentes, destaca la personalidad del vocalista. Sin duda, ¡Víctor Guardia ha sido un gran descubrimiento! ¿De dónde salió? Aquí en Canarias hay un gran nivel musical, cuando Paco Santana y yo empezamos a confeccionar la banda, hicimos una lista de músicos que pudieran encajar en el proyecto, y el hecho de vivir en una isla lo hace todo más fácil ya que prácticamente aquí nos conocemos todos. Contactamos con César González, un bajista fantástico, y se apuntó sobre la marcha. Llamamos a Elvis Pescossa, teclista con un talento descomunal, y con una sensibilidad especial para esto del AOR. Y por último, Víctor Guardia, la gran sorpresa y el frontman de este proyecto. Estaba al tanto de sus anteriores trabajos, y estuvo con Krull en la etapa del cuarto disco haciendo coros. Le propusimos la idea de formar parte de esta historia y la verdad es que no puedo estar más contento y orgulloso de su trabajo. Su voz ha encajado perfectamente con las canciones. Creo que hemos reunido un equipo de trabajo fantástico.
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Rusty River Entrevista

Bajo el epígrafe del Southern se hospedan tendencias susceptibles de ramificar y florecer desde brotes de inspiración. Los onubenses Rusty River continúan su bagaje por la cultura norteamericana presentando un álbum que destila buen gusto por los detalles.

Rhythm & blues, southern, folk, psicodelia, un basculante abanico estilístico fundamentado ante todo en la cultura estadounidense. ¿Cómo comienza y se desarrolla la historia de Rusty River hasta llegar a este tercer trabajo? Rusty River surge a principios de 2013 en formato acústico. Apenas pocos meses después y con la banda cerrada, nos decidimos meternos a grabar nuestras primeras cinco canciones, es decir, nuestro primer EP titulado ‘The Old Curry Distillery’, cargado de reminiscencias del rock de los 60 y 70, pero a la vez con guiños a bandas más actuales como The Black Crowes. Tras dos años de conciertos vino ‘The Lag’ (2015), un disco más conceptual donde la banda prueba nuevos sonidos y atmósferas, con tintes más británicos. Cuatro años después, con ‘Holy Basil Blues’ (2019) retomamos el southern rock y hard rock, con pasajes de blues, folk e incluso psicodelia, y del cual tenemos muchas esperanzas.
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Demons & Wizards entrevista Jon Schaffer

Uno es el cerebro robusto que guía a Iced Earth, el otro lleva comandando a Blind Guardian desde hace lustros. Su tercer LP ‘III’ ya está en tu tienda y nuestra embajadora se reunió con Jon Schaffer en Alemania para hablar de esta resurrección.

La alianza parte de lo que es una vieja amistad entre Hansi y tú. Hagamos un ejercicio memoria para los lectores. ¿Cuándo y cómo os conocisteis? Difícil contarlo resumidamente, pero creo que todo pasó a finales de 1990. Había un acuerdo para que las dos bandas giráramos juntas, y yo estaba por Europa, haciendo la gira promocional para el debut de Iced Earth. Hansi y yo nos conocimos en una discoteca alemana, no me acuerdo de la ciudad. Estábamos con gente de la revista Rock Hard y de Century Media Records. Ellos fueron los que nos presentaron, nos bebimos un par de cervezas y fue una charla agradable. En Hamburgo tocamos juntos por primera vez, y ahí ya nos fuimos conociendo mejor. Nosotros con el debut, y Blind Guardian con ‘Tales From The Twilight World’. Compartíamos el bus, y hacíamos vida allí. Nos recogieron, y partimos hacia Hamburgo para ese primer concierto. En esa gira pasamos nuestras penalidades y hubo momentos cuesta arriba, pero los dos grupos hicimos piña, como unos profesionales, para enfrentarnos a todo eso, y eso creó un vínculo muy fuerte. A pesar de todo, lo pasamos muy bien juntos, y esa unión sigue fuerte entre nosotros. Sería ya como seis y siete años más tarde cuando Hansi y yo notamos que, además, entre los dos existía una química muy especial para componer. Te he contado la versión resumida de la historia…

Cuando Hansi y tú os volvisteis a juntar, ¿fue empezar de cero o retomasteis ideas o canciones que ya habíais compuesto con anterioridad? Las primeras veces que quedamos fue en Alemania, en octubre de 2018. Yo le había enviado ya a Hansi tres canciones, y él empezó a trabajar con las melodías vocales. Estas canciones se las había enviado ya en 2015 ó 2016. Hablo de las que se convertirían en ‘Invincible’, ‘New Dawn’ y ‘Universal Truth’. Las compuse durante las sesiones para el ‘Incorruptible’ de Iced Earth. Como no las usamos para Iced Earth, se las envié a Hansi, para ver cuáles eran sus sensaciones. Le gustaron, me empezó a mandar ideas de vuelta, y entonces le dije: “Cuando termine con el ciclo del ‘Incorruptible’, voy a retomar esto para que lo continuemos”. Y es lo que hicimos.
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Kings Destroy entrevista Steve Murphy

Los neoyorquinos Kings Destroy llevan haciendo heavy rock desde hace una década, con cuatro LPs y un EP en su discografía. El cantante Steve Murphy nos presenta el aluvión de ideas nuevas para deleite de sus seguidores presentes en ‘Fantasma Nera’.

Considero vuestro tercer álbum ‘Kings Destroy’ uno de los discos más brutales de 2015. ¿Cómo de determinante fue una obra tan destacada? Para la banda sí que supuso un antes y un después. Echando la vista atrás, creemos que tal vez hubiera sido conveniente dedicarle algo más de tiempo a alguna canción. Pero, en resumen, nos labramos ahí un camino para llegar a los medios tiempos y los ritmos más dinámicos, algo muy diferente a nuestras primeras referencias. En ‘Kings Destroy’ también pasamos mucho tiempo con las melodías vocales y buscando los ganchos de las canciones.

¿Y vinculas todo ese trabajo con las críticas tan buenas que ha cosechado ‘Fantasma Nera’? Creo que vemos el tercer disco como una posta necesaria en el rumbo al cuarto. Una obra con grandes momentos, pero con sus imperfecciones. Al componer somos bastante duros con nosotros mismos. En resumen, el tercer disco fue decisivo para el sonido más pulido de ‘Fantasma Nera’.

Rage entrevista Peavy

Peavy es un tipo de una casta especial, por sus venas recorre heavy metal, y una pasión desmedida, algo que se contagia en cada uno de sus conciertos y en discos como ‘Wings Of Rage’.

Os ha quedado un disco muy equilibrado. Los dos últimos tiraban hacia los primeros Rage, en este parece que ya estás más cómodo incluyendo de nuevo otro tipo de referencias. Es totalmente cierto. Tanto ‘The Devil Strikes Again’ como ‘Seasons Of The Black’ fueron una reacción a todo lo que no me había gustado de la anterior formación de Rage. Y además tanto Marcos (Rodríguez, guitarra) como Lucky (Maniatopoulos, batería) son muy fans de esa primera etapa de Rage. Para ‘Wings Of Rage’ nos tomamos más tiempo en escribir, también nos sentimos más cómodos en nuestra piel como banda, y eso hace que el material salga un poco más diverso.
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Essential Chris Cornell

La versatilidad de su voz le permitía moldear las emociones conjugando potencia, agresividad y sugerencia. Pero su figura va más allá de su calidad como cantante. Su faceta de frontman y compositor transversal hizo brillar a bandas como Soundgarden o Audioslave y proyectos tan personales como Temple Of Dog.

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